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Ces dernières années, les jetons non fongibles ont suscité un débat animé à la fois dans le monde de l’art et dans des débats culturels plus larges. De leur rôle dans les ventes d’art numérique de grande valeur à leur association perçue avec les bulles spéculatives, les NFT sont souvent perçus à travers une lentille polarisée.
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Pourtant, derrière le buzz et la controverse se cache une technologie transformatrice qui révolutionne la façon dont nous préservons, authentifions et interagissons avec l’art et la culture. Les NFT fournissent un registre infalsifiable qui garantit la confiance, la transparence et la préservation du patrimoine culturel, éléments fondamentaux pour comprendre la véritable valeur de l’art.
Importance de l’authenticité et de la provenance
L’authenticité est la pierre angulaire de la valorisation de l’art. Par exemple, un tableau attribué à Léonard de Vinci pourrait atteindre des centaines de millions de dollars, alors que le prix d’une copie de son contemporain pourrait chuter de plus de 99 %. Cependant, une reproduction de l’original ne serait pas aujourd’hui considérée comme de l’art au même titre. Cette nette différence de valeur réside dans l’authenticité de l’œuvre.
La provenance, bien que peut-être moins familière aux personnes extérieures au monde de l’art, est tout aussi cruciale. Il fait référence à l’histoire documentée d’une œuvre d’art, retraçant son parcours depuis sa création en passant par différents propriétaires jusqu’à son statut actuel. Lorsque la provenance d’une œuvre d’art inclut des collectionneurs ou des marchands renommés, cela confirme l’authenticité de l’œuvre d’art et ajoute un contexte et une signification historiques, renforçant ainsi sa valeur.
Traditionnellement, l’authenticité et la provenance reposent sur des documents physiques tels que des catalogues, des inventaires ou des certificats, qui sont tous vulnérables à la perte, aux dommages ou à la manipulation. Ces lacunes dans la documentation historique peuvent rendre difficile l’évaluation de la véritable valeur d’un artefact. Les NFT fournissent une solution en créant des enregistrements immuables, garantissant la préservation des informations critiques et offrant un moyen transparent et sécurisé de suivre la provenance.
Tokenisation : une nouvelle voie pour l’art ?
Malgré le potentiel des NFT en matière de documentation et de préservation, de nombreuses méthodes traditionnelles de publication, de numérisation, d’archivage et de gestion de bases de données restent en place. Les experts dans le domaine de l’art et de la culture n’ont pas encore ressenti le besoin d’intégrer les NFT dans ces pratiques établies.
Cependant, l’application la plus courante et la plus tangible des NFT dans le monde de l’art aujourd’hui est la tokenisation. Cela implique de créer des versions numériques d’œuvres d’art certifiées par des institutions respectées. Par exemple, en 2021, le British Museum a publié plus de 200 NFT de dessins du XIXe siècle de l’artiste japonais Hokusai, et le Musée du Belvédère de Vienne a transformé Le Baiser de Gustav Klimt en 10 000 NFT l’année suivante.
De telles initiatives offrent au public une manière innovante de s’intéresser aux trésors culturels. Au lieu d’acheter une carte postale ou un souvenir à la fin d’une visite au musée, les visiteurs peuvent désormais acheter un morceau d’histoire numérique qui les relie à des œuvres d’art emblématiques. Cela favorise non seulement des liens plus profonds avec les objets culturels, mais contribue également à financer la préservation et la conservation des œuvres d’art physiques grâce aux recettes de la vente de ces versions numériques.
Les collectionneurs privés ont également adopté la tokenisation, souvent avec des objectifs d’investissement en tête, offrant la propriété fractionnée des œuvres d’art via les NFT comme preuves numériques d’actions. Cependant, cette approche soulève des questions fondamentales sur la relation entre l’œuvre d’art physique et son homologue numérique. Par exemple, si vous possédez une part NFT d’une œuvre d’art, quels droits cela confère-t-il ? Pouvez-vous afficher l’œuvre d’art physiquement ou numériquement ? Quand l’infrastructure du marché sera-t-elle suffisamment mature pour soutenir efficacement la négociation de ces actions numériques ? Même dans les initiatives menées par les musées, comment la valeur et l’importance d’un NFT se comparent-elles à une photo haute résolution de l’œuvre d’art disponible gratuitement ? Ces questions ont un impact direct sur la valeur perçue et la liquidité de ces NFT, qu’ils soient traités comme des dérivés numériques ou comme des représentations de propriété tangible.
Bien que la tokenisation offre de nombreux avantages en termes d’éducation, d’engagement et de sensibilisation, les représentations numériques de l’art resteront probablement secondaires par rapport à leurs originaux physiques. À long terme, la véritable valeur de l’art réside dans sa présence physique, et les efforts de préservation doivent continuer à se concentrer sur la garantie de l’intégrité matérielle des objets culturels. Les musées, les collectionneurs et les institutions culturelles devront toujours investir dans la protection et la conservation de ces objets dans des environnements contrôlés, en utilisant une gamme de technologies au-delà des NFT.
NFT : l’avenir de la préservation et de la réinterprétation culturelles
Alors, quelle est la meilleure application des NFT pour préserver l’art et la culture historiques ? Les œuvres d’art sont des manifestations de la créativité humaine et de l’identité culturelle, et leur préservation peut emprunter deux voies complémentaires. La première consiste à sauvegarder les objets physiques créés par ceux qui nous ont précédés, en veillant à ce qu’ils restent intacts et accessibles aux générations futures. L’autre voie consiste à capturer l’essence de ces œuvres, en les réinterprétant de manière innovante, mêlant créativité et technologie, faisant ainsi entrer l’art et la culture dans le futur.
Les NFT offrent une opportunité unique de relier ces deux voies. Non seulement ils documentent et numérisent les artefacts historiques, mais ils permettent également aux artistes de réimaginer le patrimoine culturel sous de nouvelles formes. En tirant parti de la technologie, nous veillons à ce que les histoires de notre passé trouvent un écho auprès des publics de demain.
Un exemple d’utilisation significative et respectueuse des NFT pour la préservation culturelle est la collaboration de Refik Anadol avec le peuple Yawanawá du Brésil, composée d’une œuvre vidéo centrale et d’une collection de 1 000 peintures de données NFT uniques et évoluant de manière dynamique. Le projet Winds of Yawanawá associe des œuvres d’art créées par la population locale, des données sur la forêt amazonienne, la technologie de l’IA et des écrans numériques immersifs pour créer un>Embrasser l’avenir de l’art et de la culture
Pour l’instant, les artistes contemporains sont les principaux bénéficiaires de la technologie NFT. Les NFT peuvent documenter la provenance et vérifier l’authenticité dès le moment de la création, donnant ainsi aux futurs collectionneurs confiance dans les origines de l’œuvre d’art. De plus, les NFT peuvent servir d’archives numériques complètes, capturant des détails sur les sponsors, les éditions, l’historique des expositions et des prix transparents.
Nous devons nous rappeler que nous créons constamment de l’histoire. L’art d’aujourd’hui deviendra « l’art ancien » de demain. La culture est un continuum et notre relation avec le temps et son impact sur l’art est intrinsèquement fluide. En adoptant les NFT, nous garantissons que les récits artistiques d’aujourd’hui seront préservés pour les générations futures.
Je crois que tout commence dans l’esprit. En tant qu’humains, nous générons des idées et les transformons en objets physiques, en leur attachant des significations et des interprétations. À l’ère numérique d’aujourd’hui, nous valorisons de plus en plus les actifs immatériels tels que les expériences numériques et les espaces virtuels. Plutôt que de simplement reproduire numériquement des objets physiques, nous devrions continuer à exploiter notre créativité pour créer de nouvelles formes et expériences qui définiront l’avenir. C’est ainsi que l’art et la culture évoluent, s’adaptant à leur époque tout en conservant l’essence de l’expression humaine.
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Guoying Stacy Zhang
Guoying Stacy Zhang est un conseiller artistique qui a fondé Buddhaland, une communauté pionnière qui allie art, spiritualité et technologie pour responsabiliser l’humanité. Avec plus d’une décennie d’expérience dans le domaine, elle a beaucoup travaillé avec des institutions artistiques et religieuses. Depuis 2016, sa chronique dans Buddhadoor Global partage des enseignements bouddhistes authentiques et des objets d’art rares avec le grand public en interviewant des maîtres religieux, des érudits, des artistes et des collectionneurs privés. Stacy a été conservatrice associée au monastère de Tsz Shan et a aidé le monastère de Po Lin dans ses recherches sur la conservation de la statue du Grand Bouddha à Hong Kong. Son travail sur les deux projets a été publié dans Arts of Asia. Stacy a étudié l’histoire de l’art et l’art bouddhiste à l’École d’études orientales et africaines et au Courtauld Institute of Art en tant que boursière de la Robert HN Ho Family Foundation.
